sábado, 26 de octubre de 2013

La restauración de una obra de Jackson Pollock desentierra misterios

obra de Jackson Pollock desentierra misterios

La restauración de una obra de Jackson Pollock desentierra misterios, nuevos conocimientos sobre su forma de trabajar y un misterioso capítulo perdido en una de sus obras.


James Coddington, conservador jefe del MOMA Museo de Arte Moderno, ha adquirido una nueva perspectiva de "One: Number 31, 1950" de Jackson Pollock, surgida de la reciente restauración realizada en el propio museo.


En una de las piezas más significativas del valorado Jackson Pollock, creada con la técnica del Action Painting o goteo, técnica conocida gracias a las fotografías de Hans Namuth, fotografías que se realizaban en el propio estudio de Pollock mientras trabajaba, han desvelado un capítulo oculto de su historia.

Su proceso y sus cuadros se han estudiado tan extensivamente que parecía que todo era sabido y nada mas se podía aprender y menos nos podía sorprender. Sin embargo, un examen de 10 meses, ha producido nuevos conocimientos sobre la forma de trabajar del artista y también revelaron un misterioso capítulo perdido de la historia de esta pintura, hasta ahora desconocido.

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Paul Jackson Pollock fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto, es considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX junto a Roy Lichtenstein,  además de ser uno de los mas valorados del mundo.

Su obra está centrada en la técnica del expresionismo abstracto, la base fundamental del Action Painting. El método de Pollock es innovador y surge con él una nueva manera, mucho más intima, de crear arte. Su obra "Number 5, 1948", es la tercera obra de arte más cara de la historia jamás comprada, por el precio de 140 millones de dólares, detrás de Los jugadores de cartas de Paul Cézanne y El Sueño de Picasso.

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Conocido por sus expresivas obras a base de brochazos y pinceladas, un sinfín de manchas con carácter y agresividad; su simplicidad formal y cromática te absorben transportándote al plus ultra, perdiendo la noción del tiempo y del espacio. Sus obras son una ventana a un universo paralelo, al mundo de las emociones y la expresión. Su trabajo crea rápidamente un vínculo con el espectador, la obra se convierte en el reflejo del propio espectador, sin asustarte, sin amedrentarte, todo lo contrario es una obra cercana y reconocible. Su trabajo marca un antes y un después en la historia del arte.

Una de las características más distinguibles de la obra del pintor son sus pinceladas gestuales, la manera que tenía de crear su obra, a través del a Action Painting, con un lienzo en el suelo, Jackson literalmente encima de la tela y con un pincel bien húmedo, iba dejando caer la pintura sobre la tela, Pollock marcaba su recorrido, fuerza y dinámica a través de su gestualidad.

Una de las sorpresas al examinar la pintura los académicos y curadores del museo, es evidenciar que algunas de las gotas de color marrón en el centro y parte inferior de la tela no podrían haber sido pintadas mientras "One" estaba en el suelo, ya que "Son gotas verticales", dijo Coddington, pequeños chorritos que bajaban por la pintura.

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El propio Jackson Pollock nos aclara el proceso y circunstancias de creación de su obra: "Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste."

Pollock añade: "Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien".

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Bien conocidas son las fotografías tomadas por Hans Namuth, de Pollock en su estudio, los conservadores examinaron sus fotografías para poder desvelar el misterio de las gotas verticales, ¿de dónde proceden estas gotas verticales?, Pollock pintaba en plano.

Las fotografías de Namuth desvelaron el misterio, en las imágenes se ve cómo Pollock colgaba los cuadros en una etapa final y desconocida de su proceso creativo, para dar unos últimos toques, hecho que contradice las palabras del autor sobre sus gestuales, dinámicas, espontáneas e inconscientes obras "Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo", convirtiendo en incongruente el propio discurso de Pollock.

Coddington añade sobre las gotas verticales: "Demuestran que el artista no estaba mirando estas pinturas como a los grandes logros gestuales que aparentaban ser. Para el Sr. Coddington esto indicaba que estos lienzos "eran realmente composiciones cuidadosamente concebidas.

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Su restauración ha desvelado, otros pequeños detalles curiosos de su modo de trabajo, que han decidido conservar, ya que forman parte de la obra en el momento de realizarse y revelan la manera de trabajar del pintor, como una mosca que sigue intacta, atrapada en la esquina de la derecha o pequeñas manchas de pintura de color rosa que los restauradores creen que aterrizaron en el lienzo por accidente, ya que no hay rosa en la composición.

Pero cuando los conservadores empezaron a estudiar las capas del lienzo con rayos X, las luces ultravioletas, mostraron algo extraño, partes de la tela no se asemejaban al estilo de Pollock, en absoluto. La textura era diferente, lo que sugiere repetitivas pinceladas que no se ven en ninguno de sus trabajos y además era otro tipo de pintura el que se utiliza en estas áreas. Tomaron muestras de pintura microscópicas de diferentes partes de la tela y descubrieron una resina sintética que Pollock no había usado nunca.

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Los restauradores se preguntaban, cómo había llegado allí, esa resina, ya que los registros mostraron que nadie en el museo había tocado la pintura desde que entró en la colección del MoMA en 1968 ni antes de llegar al MoMA. Los funcionarios del museo sabían que "One" había pertenecido a Ben Heller, un distribuidor y un amigo cercano de Pollock.

La pintura también había estado en una exposición itinerante en la década de 1960. Es en este momento, cuando los conservadores del MOMA desentierran una evidencia crucial para resolver la procedencia de dicha resina, una fotografía tomada en 1962 por un erudito en Portland, Oregon, reveló que la pintura no tenía ninguna de las áreas cuestionables. "Eso significaba que se agregaron después de 1962", dijo Coddington, "Y como Pollock murió en 1956, esas fotografías confirmaron que fueron puestos allí después de su muerte."

Aunque todavía no está claro, quién las añadió y por qué. Una vez restaurada del todo, eliminada la suciedad y el tono amarillento, y ver los contrastes de las negras pinceladas con el blanco de la tela, evidencia un entramado de grietas, que son las que suponen quisieron arreglar en 1962, para hacer mas vendible la obra. Ann Temkin, curador de pintura y escultura del MoMA, señaló que: "Ahora que se ha limpiado, el blanco y el negro son mucho más pronunciados" y "Hay más de electricidad."

Interesante historia y proceso de investigación por parte del MoMA.

Más información | MOMA

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